SPECTACLES A L UNITE

Pour fêter cette fin d'année, MA scène nationale vous offre un cadeau spécial : -30% sur une sélection de spectacles de la saison 2025 ! Un moyen magique de commencer l'année en beauté et de vous plonger dans l'univers captivant du théâtre, de la danse, de la musique et plus encore. Offre valable jusqu'au 25 décembre.
Réservez dès maintenant et faites briller votre début d'année !

ORCHESTRE VICTOR HUGO
DURÉE 2H AVEC ENTRACTE

Pour débuter la nouvelle année, l'Orchestre dépeint les merveilles que nous offre notre monde à travers les saisons, entre terre et mer, jusque sur la Lune… au son du violon de Deborah Nemtanu et du quatuor de saxophones Ellipsos.Si chacun de nous connaît les Quatre Saisons de Vivaldi, peu savent qu'elles illustrent en réalité quatre sonnets sur les cycles saisonniers dont il est l'auteur présumé. Chant des oiseaux, murmure des fontaines, grondement des orages… « L'hiver » dépeint la froidure du fond de l'air, le bonheur de se retrouver près du feu, et les pas incertains sur la glace. De l'autre côté de la planète, Piazzolla imagine lui aussi ses Quatre Saisons : celles qu'il vit à Buenos Aires. Chez lui, c'est le printemps qui constitue le dernier concerto de la suite - là-bas, la saison des beaux jours se termine quand l'hiver démarre en Europe. Les splendeurs de notre monde ne se limitent cependant pas à la terre, et c'est avec La Mer de Debussy que l'on découvre la beauté des tableaux marins : l'ascension du soleil sur les flots, le jeu des vagues et le dialogue du vent avec l'eau... avant d'embarquer pour la mission Artemis, Objectif Lune ! À travers cette fantaisie lunaire de Fabien Waksman, composée avec la complicité de son ami astrophysicien Jean-Philippe Uzan et dédiée au Quatuor Ellipsos, invité pour l'occasion, l'Orchestre décolle pour une aventure spatiale hors normes remplie de joies et d'excitation, mais aussi d'inquiétudes et de sidération, rendant hommage aux sacrifices des humains partis conquérir l'espace.

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Durée 50 minutes À partir de 6 ans

Laurel et Hardy forment l'un des duos comiques les plus célèbres de l'histoire du cinéma, après avoir mené chacun individuellement de belles carrières de comédiens. Parmi la centaine de films qu'ils ont tournés ensemble en vingt-cinq ans d'activité, ce sont OEil pour oeil et La Bataille du siècle, deux des premiers courtsmétrages du tandem, que Cyrille Aufort a choisi pour composer la musique de ce ciné-concert, commandée par l'Orchestre régional de Normandie et l'Orchestre national des Pays de la Loire en 2023.
PROGRAMME
Ciné-concert Laurel & Hardy d'après les films OEil pour oeil de Leo McCarey
La Bataille du siècle de Clyde Bruckman
Musique : Cyrille Aufort
DIRECTION : JEAN DEROYER

DURÉE 50 MINUTES
Bord plateau

Bien avant de devenir le directeur du Festival d'Avignon, Tiago Rodrigues créait un hymne à l'amour dans un écrin pour deux comédiens. Près de vingt ans plus tard, il donne à sa première pièce une nouvelle jeunesse. Choeur des amants appartient à ces petits bijoux théâtraux dont la délicatesse s'imprime au plus profond. Un couple y raconte de manière synchrone un moment de bascule : une nuit de crise aiguë laisse une femme au bord de l'étouffement, la course à cent à l'heure vers l'hôpital et l'inquiétude de son compagnon, chacun confiant leurs sentiments réciproques. Confronté au vertige d'avoir frôlé la mort, le duo livre ainsi, en choeur, le passage du temps et des épreuves. Les récits et points de vue se superposent pour mieux offrir leurs infimes divergences dans un petit miracle d'harmonie. Tiago Rodrigues orchestre les paroles comme une partition musicale, vibrante et poétique, peuplée de moments de vie, où l'autobiographie se mêle à la rêverie et à la peur de tout perdre quand vient le manque. Avec le talent qu'on lui connaît, le metteur en scène portugais choisit une nouvelle fois l'épure scénographique pour nous laisser combler les silences, meubler cet espace autour de deux chaises et d'une table avec notre imaginaire… Un théâtre qui s'adresse directement à l'âme, les tracas anodins et les instants de joie fugace y sont chéris car ils glissent dans la vie quotidienne des extraits d'amour vrai. De ceux qui font battre les coeurs, encore et encore.
TEXTE ET MISE EN SCÈNE : TIAGO RODRIGUES AVEC : GRÉGOIRE MONSAINGEON ET OCÉANE CAÏRATY
SCÉNOGRAPHIE : MAGDA BIZARRO ET TIAGO RODRIGUES
LUMIÈRE : MANUEL ABRANTES / COSTUMES : MAGDA BIZARRO
TRADUCTION DU TEXTE : THOMAS RESENDES
PRODUCTION : CENTRE INTERNATIONAL DE CRÉATIONS THÉÂTRALES / THÉÂTRE DES BOUFFES DU NORD
COPRODUCTION : ESPACE 1789 / SAINT-OUEN

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DANSE, MARIONNETTES, JEUNE PUBLIC
DURÉE 1H À PARTIR DE 6 ANS

Honoré par la chorégraphe et actuelle directrice du TJP CDN de Strasbourg - Grand Est, Kaori Ito, Waré Mono se présente comme un éloge à la fragilité de l'enfance. Sur scène, un duo d'interprètes et une marionnette en chantier qui s'anime au gré d'un rituel de réparation. Par la magie de la danse, les blessures peu à peu laissent place à la vie. Comme pour Le Monde à l'envers, sa précédente pièce jeune public présentée à MA en 2021, Kaori Ito s'est entourée d'un comité d'experts en culottes courtes pour écrire Waré Mono, une création poétique et politique qui raconte comment les failles construisent l'humanité. Comment réparer l'enfance ? Pour répondre à cette interrogation, elle s'inspire du Kintsugi, l'art japonais qui consiste à raccommoder des objets cassés, non pas en dissimulant les fissures, mais en les sublimant avec de l'or. Sur le plateau, les artistes campent deux personnages malicieux, qui tantôt s'imitent et s'entraînent l'un l'autre, tantôt fusionnent jusqu'à former une seule et même créature, tantôt se défient et s'affrontent. Par le mouvement, ces êtres se transforment en animaux ou en monstres, jumeaux ou ennemis. Leurs relations évoluent entre férocité et tendresse. À leurs côtés, une marionnette à taille humaine incarne l'âge innocent, avec sa vulnérabilité, ses doutes et ses accidents. Les danseurs s'en saisissent, la manipulent ; ils en accentuent les cicatrices puis les décorent et les soignent pour les rendre précieuses. Celles-ci deviennent alors une manière de faire apparaître l'existence, refaire le monde et se sauver soi-même.

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DANSE, MUSIQUE, FLAMENCO
DURÉE 1H

Mêlant rageusement folklore hispanique, danse contemporaine et flamenco, Luz Arcas révolutionne la scène internationale avec Mariana : un imaginaire sur la femme comme bête de somme pour un corps jondo et cinq
musiciens. Si le flamenco est souvent résumé aux gestuelles festives et bouillonnantes, il s'avère pourtant qu'une source plus ancienne aux origines méconnues, le cante jondo - un « chant profond » (littéralement) - partage des accents beaucoup plus tragiques, où il est question de labeur, de labour, de détresse, de fièvre et de fureur. Luz Arcas a puisé dans cet univers brut pour créer une pièce singulière, d'une intensité quasi palpable. Le corps entravé de liens de cuir, de selles de bât, de couvertures tissées, elle incarne avec passion la jument, le cabri que les paysans
protègent et maltraitent à la fois, comme dans les marianas (chants primitifs flamencos présents dans
l'oeuvre). Accompagnée sur scène par ses musiciens, la performeuse devient, comme en plein rite, la chèvre qui suit le gitan errant, la mule du paysan, l'ânesse de l'azacán (porteur d'eau). Dans une chorégraphie « aux aspects intuitifs, instinctifs et dionysiaques », elle tisse avec douleur ce rapport ambigu, ambivalent, sur le fil, des hommes avec le corps des animaux femelles - et par extension, avec celui de la femme. « C'est à cela que j'aspire avec ma danse : sublimer la défaite », nous dit-elle.
Un spectacle hors normes où se révèlent tout le talent et la sensibilité d'une artiste visionnaire, récompensé par le prix Godot 2023.

PRODUCTION : LUZ ARCAS / LA PHÁRMACO
DIRECTION DE PRODUCTION : ALEX FOULKES
PRODUCTION EXÉCUTIVE : FERNANDO JARIEGO

CIRQUE DURÉE 1H
Isaac Newton n'a qu'à bien se tenir : la loi universelle de la gravitation, ces huit-là s'en moquent comme de leur première roulade. Ouvrez grand les yeux, les Australiens de Gravity & Other Myths, fidèles des plateaux de MA, sont de retour avec une nouvelle pièce stupéfiante à vous couper le souffle ! Cligner des yeux, courir, sauter, voler. Ten Thousand Hours est une ode aux innombrables heures nécessaires pour réaliser de grandes choses. Un hommage au dévouement indispensable pour obtenir l'exécution parfaite. Une reconnaissance de l'histoire, elle-même souvent plus impressionnante que le produit fini. Après A Simple Space, Backbone ou encore Out of Chaos, Gravity & Other Myths repousse à nouveau les limites du cirque contemporain. Aujourd'hui, les huit acrobates d'élite s'intéressent aux compétences physiques, à la manière dont on les perfectionne et dont elles transforment leurs vies. L'un des nombreux talents des (grands) circassiens, c'est de nous faire croire que
leurs mouvements sont d'une simplicité enfantine - or cette apparente facilité est, évidemment, le résultat d'un engagement total. En mettant en lumière les nuances de l'acrobatie de haut niveau, la compagnie donne à voir le travail intense requis pour maîtriser les aptitudes dont les spectateurs sont témoins. Ten Thousand Hours est alors une révélation du langage corporel singulier de cette troupe et une célébration de la quête de virtuosité. Spectaculaire ? C'est peu de le dire.

ARTS SONORES, SÉANCE D'ÉCOUTE
AU STADE BONAL
DURÉE 50 MINUTES

C'est peut-être en commençant par faire trembler un stade et frissonner une foule que l'on peut faire vaciller tout un monde. Dans un documentaire passionnant, Antoine Richard, créateur et réalisateur sonore pour la radio et le spectacle vivant, nous conte le Football Club Sochaux-Montbéliard (FCSM) comme personne ne l'a jamais fait jusqu'alors. Le FCSM ne se présente plus, bientôt centenaire et au passé sportif mémorable. Comme certains de ses confrères (Lens, Saint-Etienne…), il incarne un incontournable marqueur historique et ouvrier d'une région industrielle, et de fait un très puissant liant social. En 2023, le club manque de peu de disparaître, ses récents acquéreurs chinois ayant fait faillite. Une impressionnante vague de soutien déferle alors sur Sochaux et les supporters réussissent à sauver leur équipe en y entrant au capital. Ce qui a été sauvé va bien évidement au-delà du foot, c'est une part difficilement mesurable du patrimoine, de l'identité du nord-est de la Franche-Comté et des personnes qui y vivent. Un espace en commun comme il n'en existe que très peu. Un « espace à défendre » diront certains. Le cri des lionceaux donne à entendre ce qui fait la matière même de ce liant : des récits intimes des supporters, qui ont pour la plupart une attache transgénérationnelle avec les Jaune et Bleu ; des habitants de la région, qui n'aiment pourtant pas le ballon rond, mais pour qui le club compte… ; et surtout, la ferveur du stade, celle d'une foule qui se lève d'un bloc, et qui chante. Celle qui en dit très certainement plus sur l'identité du Pays de Montbéliard et sur l'importance de la crier ensemble
que sur le sport.

THÉÂTRE
DURÉE 45 MINUTES

Un homme parle à des animaux, c'est-à-dire à des êtres sans réponse. Il parle à trois cents yeux muets. Cet homme prononce le monologue emblématique de Valère Novarina, interprété par le comédien André Marcon depuis bientôt quarante ans. Une suite de onze « promenades », une navigation dans l'intérieur, ou autrement dit, d'abord dans sa langue et dans ses mots. Bloqué par la neige dans un isolement complet pendant quinze jours, Novarina a écrit Le Discours aux animaux entouré par sept chèvres, des poussins, des dindons, des moutons et un porc. « Je poussais la porte de l'écurie et j'avais quarante-quatre yeux fixés sur moi. C'est de là qu'est venu le titre. » La pièce déconcertera ceux qui découvrent le théâtre de Valère Novarina. Pourtant, il faut oser se lancer ici dans ce texte original et puissant dont la parole est le pivot et le principal questionnement. Parole de l'homme aux animaux silencieux qui écoutent. Acclamé pour ses prestations dans Le Malade imaginaire de Molière accueilli à MA, et dans de très nombreuses autres pièces aux côtés des plus grands metteurs en scène, le comédien multiprimé André Marcon donne à voir et entendre une inoubliable performance. Seul sur scène, vêtu de sombre dans une absolue simplicité, laissant toute la place aux mots qui sort de lui en fleuves bouillonnants. Il occupe l'espace de sa puissance, vivant sa partition jusqu'à l'extrême de ses forces, pour la transmettre intacte malgré les acrobaties
linguistiques qu'elle comporte. Une aventure fondamentale à vivre dans la salle intime que sont les Bains Douches.

TEXTE : VALÈRE NOVARINA / INTERPRÉTATION : ANDRÉ MARCON

DANSE, INSTALLATION CHORÉGRAPHIQUE
DURÉE 50 MINUTES À PARTIR DE 16 ANS

Installation chorégraphique pour douze danseurs, MIRE est une véritable expérience des sens. Allongez-vous et découvrez les mirages kaléidoscopiques d'une fresque vivante ! Conçue en 2016, MIRE n'en finit plus de fasciner le public depuis sa création. Installation performative plutôt que pièce scénique, elle a même eu droit à sa déclinaison pour enfants, MIRKIDS, invitée aussi à MA cette année. Deux formats avec lesquels Jasmine Morand fait exploser la notion de quatrième mur, le spectateur devenant lui-même acteur de son expérimentation sensorielle et émotionnelle. À sa manière, la chorégraphe suisse revisite en effet le zootrope, dispositif circulaire qui reproduit l'illusion du mouvement par le déplacement rapide d'images décomposées - l'un des ancêtres oubliés du cinéma. Ici, les corps dénudés évoluent en symétrie, ballet incessant de formes et de contrastes hypnotisants. Deux champs de visions s'offrent aux visiteurs. Soit se coucher sur le sol et se laisser envahir par les figures fantasmagoriques qui se font et se défont sans cesse dans un énorme miroir suspendu. Soit s'approcher de la paroi cachant les artistes pour suivre le voyage de leurs chairs fragmentées à travers de fines fentes. Voire, pourquoi pas, alterner l'un et l'autre dans un labyrinthe visuel fascinant.

CONCEPT ET CHORÉGRAPHIE : JASMINE MORAND
DANSE (DISTRIBUTION EN ALTERNANCE) : LAETITIA DUPERTUIS,
PAUL GIRARD, ÉLÉONORE HEINIGER, MAXIME JEANNERAT,
JASMINE MORAND, AMAURY REOT, NICOLAS TURICCHIA
SCÉNOGRAPHIE : NEDA LONCAREVIC / LUMIÈRE : RAINER LUDWIG
MUSIQUE : ENRIQUE GONZALES MÜLLER, PATRICK CONUS, JASMINE MORAND / PRODUCTION : PROTOTYPE STATUS

DANSE, INSTALLATION CHORÉGRAPHIQUE, JEUNE PUBLIC
DURÉE 45 MINUTES À PARTIR DE 5 ANS

Dans MIRKIDS, la chorégraphe suisse Jasmine Morand propose aux enfants un instant de grâce, animé par la magie de l'étonnement. Ici, la voie lactée est remplacée par les mouvements organiques des huit danseurs, à la manière d'un kaléidoscope. Un dispositif optique merveilleux qui ouvre la voie à l'imaginaire… Se coucher dans l'herbe humide un soir d'été et observer la voûte céleste, n'y a-t-il pas plus beau spectacle pour s'enthousiasmer de la vie, de son infiniment grand et de ses mystères insondables ? Allongés en étoile sur un sol, les spectateurs viennent éprouver l'expérience de la contemplation. Ils aperçoivent, dans un miroir suspendu au plafond, des tableaux kaléidoscopiques en perpétuelle évolution. Des corps apparaissent, des jambes, des bras… Cachés dans un cylindre évoquant un zootrope, huit interprètes, chorégraphiés en unissons circulaires, créent des paysages époustouflants, toujours symétriques, toujours en mouvement, fluides et mystérieux. Une fabrique d'images qui dialogue avec les origines du cinéma, sur une musique inspirée et composée à partir de matières sonores proposées par des enfants lors d'ateliers. Création pour le jeune public de la pièce remarquée MIRE, également présentée à MA cette année, MIRKIDS offre à tous un voyage artistique et kinésique inoubliable.

CHORÉGRAPHIE : JASMINE MORAND / DANSE (EN ALTERNANCE) : ÉLÉONORE HEINIGER, ISMAEL OIARTZABAL, FABIO BERGAMASCHI,
KRASSEN KRASTEV, VALENTINE PALEY, AMAURY REOT, NICOLAS TURICCHIA, JEANNE GUMY, LAETITIA DUPERTUIS, LUISA SCHÖFER, LOUIS BOUREL, CÉLINE FELLAY, MARCO VOLTA, MAXIME JEANNERAT, ANNE-CHARLOTTE HUBERT / ASSISTANAT : FABIO BERGAMASCHI
SCÉNOGRAPHIE : NEDA LONCAREVIC / LUMIÈRE : RAINER LUDWIG MUSIQUE : DRAGOS TARA / DIRECTION TECHNIQUE : CÉCILE ROBIN
RÉGIE SON ET LUMIÈRE : LOUIS RIONDEL, SÉBASTIEN GRAZ, CHARLOTTE RYCHNER, LUIS HENKES / COSTUMES : TONI TEIXEIRA
CONSTRUCTION DISPOSITIF SCÉNIQUE : LE RATELIER, JEAN-MARIE MATHEY, ANTOINE MOZER, LUCIEN MOZER / CONSTRUCTION DISPOSITIF MIROIR : PHILIPPE BOTTEAU, LÉO BACHMANN / INSTALLATION ÉLECTRIQUE : LUC-ETIENNE GERSBACH
PEINTURE : BÉATRICE LIPP
ADMINISTRATION : VALÉRIE NIEDEROEST / PRODUCTION : ANA LAGARRIGUE

BLUES, JAZZ, ROCK
DURÉE 1H15

En coréalisation avec le Moloco, Espace Musiques Actuelles du Pays de Montbéliard

S'étant affirmée comme l'une des figures les plus flamboyantes de la scène jazz blues actuelle, la chanteuse et pianiste américaine sort High Priestess, un album où sa musique s'enrichit de textures électroniques et rock. Née à New York dans une famille catholique irlandaise, Sarah McCoy reçoit dès l'adolescence une formation classique au piano. À sa majorité, quittant le joug familial avec pour seul bagage une guitare en bandoulière, elle parcourt les routes américaines pendant cinq ans. C'est en se produisant dans les pianos-bars de la Nouvelle-Orléans, où elle s'installe, que Sarah découvre sa voix surpuissante. En 2017, elle enregistre son premier album, Blood Siren, dont chaque morceau, d'une profondeur abyssale, transpire d'une douleur incommensurable. Avec ses paroles et la beauté mélodique du clavier, on pense à Nina Simone, Billie Holiday ou Amy Winehouse. Cela dit, pour l'album High Priestess, la diva à la luxuriance communicative teinte le bleu de sa musique - mêlant jazz, soul et gospel - avec le noir du rock et le chrome de l'électro. Ce tournant, Sarah McCoy l'engage, sur scène, avec le bassiste Jeff Hallam et le batteur Antoine Kerninon. Entre basses bouillonnantes, beats acides et piano sombre, son timbre volcanique bouleverse en disant les fêlures, la fin de l'amour, la tyrannie de l'apparence...
Bienvenue dans la cérémonie d'une Grande Prêtresse dont les incantations esquissent des montagnes russes d'émotions entre mélancolie blues, virtuosité jazz et colère punk. Une fièvre vaudou, venue tout droit du bayou.

CHANT, PIANO : SARAH MCCOY / BASSE
BASSE SYNTHÉ : JEFF HALLAM
BATTERIE, SYNTHÉ : ANTOINE KERNINON

THÉÂTRE VISUEL, ILLUSIONNISME, DANSE, MARIONNETTES
DURÉE 1H10

Après avoir conquis le public de MA la saison dernière avec Cirque Invisible, Victoria Thierrée Chaplin met en scène une pièce pleine de douce folie avec et pour sa fille Aurélia Thierrée. Cleptomane sans vergogne, l'héroïne se démène ici dans un univers magique, teinté d'étrangeté et de poésie, où les objets se rebellent. Un porte-manteau qui commence à marcher ; des tables et sièges qui glissent, tournoient, pendant qu'un pan de mur s'ouvre et se détache pour laisser surgir un couple de danseurs ; une robe qui virevolte selon ses propres envies… Vous l'aurez compris, Aurélia Thierrée a maille à partir avec le monde qui l'entoure. Les illusions d'optique et les effets visuels de Bells and Spells forment un écrin fantastique. Celui d'un espace intérieur en perpétuelle réinvention, n'en faisant qu'à sa tête, chahutant notre voleuse compulsive, elle-même manipulée par ce qu'elle dérobe et les éléments aux alentours. Dans une telle féérie de visions aussi fantasques que fantastiques, l'inanimé prend vie, l'humour invite au lâcher-prise et à retrouver une part d'enfance émerveillée. Ce moment de pur plaisir où l'on joue à ensorceler les choses, à s'inventer des pouvoirs défiant la raison et le vraisemblable. Derrière les menus larcins et les métamorphoses incongrues, dévoilant un panthéon de chimères, se dessine aussi un désir profond de liberté et d'intranquillité joyeuse ; celui d'artistes, mère et fille, ouvrant grand les portes de leur imaginaire pour nous convier à la célébration d'un rêve à partager.

UN SPECTACLE DE VICTORIA THIERRÉE CHAPLIN / AVEC : AURÉLIA THIERRÉE ET JAIME MARTINEZ / SCÉNOGRAPHIE ET COSTUMES : VICTORIA THIERRÉE CHAPLIN / CHORÉGRAPHIE : ARMANDO SANTIN, VICTORIA THIERRÉE CHAPLIN / LUMIÈRE : FIAMMETTA BALDISERRI, FABIO BOZZETTA / ASSISTANAT SON : DOM BOUFFARD / RÉGIE GÉNÉRALE : GERD WALTER / RÉGIE LUMIÈRE : NICK BURGE / RÉGIE SON : CHRISTIAN LEEMANS RÉGIE PLATEAU : GERD WALTER, MONIKA SCHWARZL, JONATHAN HERBLAY / ADMINISTRATRICE DE TOURNÉE : VIRGINIA FORLANI PRODUCTION : VICTORIA THIERRÉE CHAPLIN ET ENCORE UN TOUR

CIRQUE
DURÉE 1H

Un titre intriguant, une incroyable maison en ruines et deux mystérieux acrobates… La nouvelle pièce de Andrés Labarca nous embarque à coeur et à corps perdus dans une
étonnante composition visuelle et sonore. Une expérience sensorielle entre réalisme parfait et onirisme follement poétique. Chef de file de la compagnie Ni Desnudo Ni Bajando La Escalera (littéralement Ni nu ni descendant l'escalier, en hommage à Marcel Duchamp), l'artiste chilien est de ceux que l'on n'enfermera jamais dans une case. Sa nouvelle création Les quatre points cardinaux sont trois : le nord et le sud en est une nouvelle preuve, tant les genres s'y entremêlent avec une aisance infinie - cirque, danse contemporaine, théâtre visuel… Sur scène, il y a les restes d'une maison qu'on imagine ravagée par un incendie, dont certains morceaux continueront de tomber en lambeaux au fur et à mesure de la pièce. Et puis deux êtres qui s'opposent, se répondent, et explorent les lieux en même temps qu'ils se découvrent eux-mêmes. Magnifié par une scénographie impressionnante et une bande-son envoutante, le spectacle se dévoile alors comme une épopée graphique, tissant des liens entre les interprètes. Les quatre points cardinaux deviennent des portails vers des dimensions insoupçonnées, invitant ainsi le public à dépasser les frontières physiques, pour mieux sonder les méandres de
l'âme humaine. Un univers impressionnant pour un exercice des plus marquants.

DIRECTION ET ÉCRITURE : LOLA ETIÈVE ET ANDRÉS LABARCA / INTERPRÉTATION : SYLVAIN DECURE ET ANDRÉS LABARCA
COLLABORATION ARTISTIQUE : SILVIO PALOMO / SCÉNOGRAPHIE : JUSTINE BOUGEROL ET NI DESNUDO NI BAJANDO LA ESCALERA
CONCEPTION ET RÉALISATION DES PATINES : GABRIEL TONDREAU / LUMIÈRE : JÉRÉMIE PAPIN / SON : LOLA ETIÈVE
CHANT : JEAN-PAUL MENGIN / RÉGIE PLATEAU ET CONCEPTION MACHINERIE : FLAVIEN RENAUDON

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Au Mexique, on ne pleure pas les défunts, on les célèbre, car ils continuent d'exister tant que l'on se souvient d'eux. Chaque année, lors du « jour des morts » - « Día de los Muertos » - ils peuvent revenir sur Terre faire la fête avec les vivants. Danses, parades, autels ornés de fleurs colorées et de mets en tous genres, costumes et robes fantaisistes… L'Orchestre Victor Hugo vous invite à vivre cette célébration grâce aux musiques joyeuses et exotiques des compositeurs mexicains Silvestre Revueltas et Arturo Márquez.

PROGRAMME
Arturo Márquez : Danzón n°2
Silvestre Revueltas : Sensemayá

DIRECTION : THIERRY WEBER
COMÉDIEN : MANU MOSER

Cécile DeLaurentis, compositrice et musicienne, et Hervé Déjardin, ingénieur et designer sonore à Radio France, nous invitent dans le processus créatif d'un projet immersif à 360°

Lun 17 mars à 20h aux Bains Douches
Entrée libre
En partenariat avec le Bar des Sciences

CONCERT À 360°
DURÉE 55 MINUTES

Quand elle entend ou compose de la musique,
« l'électronicienne » DeLaurentis visualise spontanément des formes et des couleurs. Ce phénomène - appelé synesthésie - est la clé de sol de son projet Musicalism, un nom faisant écho au mouvement artistique des années
1930 où les peintres voyaient les couleurs comme des vibrations sonores. Musicalism s'ouvre avec quelques notes qui tournent en boucle. La lumière se réveille et scintille au rythme des sons qu'on commence à discerner.
Puis, tout se mélange. Pour chaque morceau, une couleur est mise en mouvement par des motifs, des nuances de pixels. Telle une Alice aux Pays des Machines qui explore de nouvelles sonorités avec ses synthétiseurs, ses contrôleurs et l'intelligence artificielle, DeLaurentis nous plonge au coeur d'un dispositif sonore et visuel à 360° où ses compositions électroniques s'écoutent les yeux grands ouverts. Pour donner corps à ce monde imaginaire, la musicienne collabore avec le maître de la spatialisation Hervé Déjardin, qui fait voyager le son dans la salle de concert, et avec l'artiste Baptiste Lefebvre dont les créations virtuelles 3D interagissent avec la musique. Comme une extension de ses cordes vocales, elle invite aussi plusieurs dizaines de voix avec le Choeur Virtuel développé par l'Ircam. DeLaurentis nous embarque dans une longue hypnose, allant d'ambiances
atmosphériques vers des parties aux battements par minute (BPM) qui s'accélèrent. Une performance avant-gardiste et émotionnelle, à mi-chemin entre Erik Satie et Daft Punk, accueillie au sein d'un Ars Numerica qui se transforme technologiquement pour rendre vivante cette expérience immersive d'exception.
ARTISTE : DELAURENTIS / SON SPATIAL : HERVÉ DÉJARDIN
LUMIÈRE : FABRICE GEFFLOT / CRÉATIONS VIRTUELLES 3D :
BAPTISTE LEFEBVRE, RADIO FRANCE - LA GÉNÉRALE DE PRODUCTION
PRODUCTEUR TOURNÉE : SANGUINE

Entrée libre sur réservation

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DANSE
DURÉE 1H

Sept danseurs en bonnets de bain et lunettes de plongée traversent plusieurs siècles de création chorégraphique, du ballet classique au hip-hop en traversant la techno-rave, l'underground et la K-pop. Body Concert, complètement fou ? Assurément. Et virtuose aussi ! Depuis sa création à Séoul en 2010, Boram Kim et son Ambiguous Dance Company parcourent le monde avec ce show multi-récompensé qui est devenu un incontournable. Articulé tel un concert, il revisite en dix actes toute la richesse de l'histoire de la danse sans jamais se prendre au sérieux. Avec une énergie peu commune, les artistes enchaînent les performances en secouant les codes, les styles et les cultures, passant de Daft Punk à Mozart avec une aisance déconcertante. Chaque geste, vif et assuré, devient alors une note dans une symphonie visuelle et auditive, fusionnant la technique, la musique et le mouvement d'une manière qui défie les conventions et éveille les sens. En solo, en groupe ou en duo, les performeurs virevoltent en
simultané dans une chorégraphie millimétrée : la précision est la ligne directrice entre ces vignettes furieusement éclectiques. Viennent s'ajouter un humour décapant et une réelle complicité avec le public, qui font de ce spectacle exubérant une véritable célébration de la danse sous toutes ses formes !

CHORÉGRAPHIE : BORAM KIM / DANSEURS : BORAM KIM, KYEONGMIN JANG, KYUM AHN, HAK LEE, SEONHWA PARK, JAEHEE SHIN, JISOO GONG / LUMIÈRE : DAEDOO BAE / SON : HYUNGROK AN / RÉGISSEUR : EUNJIN JO / PRODUCTEUR : HEEJIN LEE

THÉÂTRE
DURÉE 1H20
Bord plateau

Après le franc succès rencontré par Bigre, Pierre Guillois et Olivier Martin-Salvan ont remis le couvert avec un spectacle « cartoonesque », dans lequel deux héros un peu barjots nous font vivre une odyssée déjantée - l'un voyageant autour du monde en baragouinant une vraie-fausse langue de Shakespeare, l'autre s'agitant pour donner vie à un décor de pancartes. Un cabaret de carton complètement loufoque, Molière 2022 du théâtre public ! Avec Les gros patinent bien, le célèbre duo de
créateurs rend un hommage rare au burlesque du cinéma muet. On y suit en effet le fantastique périple de deux drôles de bougres qui veulent échapper à la malédiction d'une sirène, pêchée par erreur. Le tout, sans qu'un seul mot intelligible ne soit prononcé ! Charismatique en diable, l'un de nos protagonistes fuit alors les îles Féroé pour une traversée de l'Europe en patins à glace, à dos de mulet ou en trottinette. Destination le sud de
l'Espagne, par-delà les migrants en détresse, une petite sirène androgyne ou des moulins à vent transformés en éoliennes. Un voyage hors normes sans bouger de sa chaise ! Car le zèbre en costume trois pièces peut compter sur son acolyte, en maillot et bonnet de bain, chargé de déployer pas moins de quatre cents cartons avec les noms du décor et des lieux de ce voyage épique, tout en mimant les bruitages en direct. En apparence bricolée - en
apparence seulement -, cette performance est parfaitement menée tambour battant… L'esprit absurde des Monty Python n'est jamais loin, la confiance dans le pouvoir et le plaisir de l'imaginaire des clowns à jamais chevillée au corps.

AVEC : OLIVIER MARTIN-SALVAN EN ALTERNANCE AVEC JONATHAN PINTO-ROCHA, PIERRE BÉNÉZIT ET MARC RISO / PIERRE GUILLOIS EN ALTERNANCE AVEC GRÉGOIRE LAGRANGE, EDOUARD PENAUD ET FÉLIX VILLEMUR-PONSELLE
DIRECTION TECHNIQUE : COLIN PLANCHER
INGÉNIERIE CARTON : CHARLOTTE RODIÈRE / ACCESSOIRES : ÉMILIE POITAUX / SON : LOÏC LE CADRE / CONSEIL COSTUMES : COCO PETITPIERRE
ASSISTANTE DE TOURNÉE : THYLDA BARÈS / RÉGIE GÉNÉRALE : COLIN PLANCHER EN ALTERNANCE AVEC JÉRÔME PÉREZ, CYRIL CHARDONNET, COLINE SENÉE ET GRÉGOIRE PLANCHER / RÉGIE PLATEAU : ÉMILIE POITAUX EN ALTERNANCE AVEC ELVIRE TAPIE ET LORRAINE KERLO AURÉGAN,
COLINE SENÉE ET EVE ESQUENET / DIFFUSION INTERNATIONALE : CHRISTELLE FLEURY / DIFFUSION FRANCE, BELGIQUE, SUISSE : SÉVERINE ANDRÉ LIEBAUT, SÉVERINE DIFFUSION / ADMINISTRATION GÉNÉRALE : SOPHIE PERRET / CHARGÉE D'ADMINISTRATION : FANNY LANDEMAINE / CHARGÉES
DE PRODUCTION : MARGAUX DU PONTAVICE, LOUISE DEVINCK / COMMUNICATION : ANNE-CATHERINE MINSSEN, ACFM LES COMPOSANTES
PRODUCTION : COMPAGNIE LE FILS DU GRAND RÉSEAU

MUSIQUE CLASSIQUE
DURÉE 1H10

Composé en douze jours par un jeune homme de vingt-quatre ans, Le Barbier de Séville est l'un des opéras bouffes les plus drôles et inspirés du répertoire. L'Orchestre Victor Hugo en propose ici une version courte, d'une heure, en français. À Séville, le comte Almaviva est bien décidé à conquérir Rosina ; mais la jeune femme est jalousement gardée par le vieux docteur Bartholo, qui souhaite l'épouser avec l'aide du sinistre Don Basilio. Aidé de Figaro, le barbier de la ville qui se présente comme l'homme de toutes les situations, le comte use de mille ruses pour s'approcher de sa belle et conquérir son coeur. Déguisements, quiproquos, jeux de dupes… Derrière le tourbillon de gags souffle un vent de liberté pour une jeunesse qui entend échapper à l'autorité des vieux barbons ridicules ! Considéré par beaucoup comme un chef-d'oeuvre d'humour et de virtuosité, magnifié par la plume insolente de Beaumarchais, l'opéra de Gioachino Rossini connut un succès fou dès sa première, pourtant catastrophique - un chat traversa la scène, un des chanteurs trébucha et saigna du nez… Aujourd'hui, ce « mini Barbier » prolonge la brillante folie du Barbier de Séville grâce à une adaptation accessible à tous.

MEZZO-SOPRANO : LUCILE BERTIZIER (ROSINA)
TÉNOR : PIERRE-EMMANUEL ROUBET (COMTE ALMAVIVA)
BARYTON : FABRICE ALIBERT (FIGARO)
BASSE : LAURENT LABARBE (BARTHOLO)
RÉGISSEUR GÉNÉRAL : MATHIEU MINAZIO
COSTUMES ET HABILLAGE : ALICE THOMAS
COMÉDIENNE ET MISE EN SCÈNE : FRÉDÉRIQUE LOMBART
DIRECTION : JEAN-FRANÇOIS VERDIER
PRODUCTION : OPÉRA NATIONAL DU CAPITOLE DE TOULOUSE

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THÉÂTRE, DANSE, MUSIQUE, JEUNE PUBLIC
DURÉE 40 MINUTES À PARTIR DE 2 ANS

Débusquer la musicalité des mots, comprendre le sens sans connaître la langue, écouter claquer les syllabes, glisser, siffler, grogner… Deux interprètes, accompagnés d'objets de toutes les couleurs, emmènent les plus petits
dans un fabuleux voyage à la découverte des sons et des mouvements du langage. Depuis 2007, la compagnie L'Encyclopédie de la parole collectionne des enregistrements vocaux de toutes sortes, desquels naissent des spectacles passionnants. Après blablabla, qui abordait déjà l'idiome à hauteur d'enfants, le collectif confie cette fois-ci à Raffaella Gardon et Nicolas Rollet le soin de s'adresser aux très jeunes. « Oh c'est quoi ça ? » Quel bambin n'a jamais prononcé cette phrase face à un nouvel événement ou une matière inconnue ? La curiosité, l'ouverture des tout-petits - qu'ils sachent parler ou non - et l'attention qu'ils portent à ce qui les entoure semblent sans limite. Sur scène, deux interprètes, plongés dans une installation lumineuse et colorée, jouant avec leur corps et leur voix dans l'espace, embarquent les chérubins pour les initier à la musicalité du langage. Faisant appel à la capacité d'émerveillement de son public, Oh c'est quoi ça ? propose une forme de concert où les mots sont autant de possibilités de partitions ludiques et interactives.

CONCEPTION : ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE
COMPOSITION : NICOLAS ROLLET / MISE EN SCÈNE : RAFFAELLA GARDON
INTERPRÉTATION : DANIEL COLLADOS BLASCO ET RAFFAELLA GARDON
DRAMATURGIE : CAROLINE MASINI / SCÉNOGRAPHIE : ANTONIN HECK
LUMIÈRE : JÉRÔME DEJEAN / COSTUMES : CAROLINE DENQUIN
REGARD CHORÉGRAPHIQUE : INÉS HERNÁNDEZ / RÉGIE GÉNÉRALE :
ALICE MARIN OU MARIE-JEANNE ASSAYAG LION / ADMINISTRATION
ET PRODUCTION : EDWIGE DOUSSET
PRODUCTION ET DIFFUSION : GARANCE CROUILLÈRE

DANSE, CIRQUE, PERFORMANCE
DURÉE 40 MINUTES

Sur scène, une plateforme blanche au sol, vingt-deux sièges vides et un homme, Viktor Černický. Va-t-on assister à une réunion de crise ? Une cérémonie ? Plutôt un projet à la croisée de la danse, du cirque et de la performance, où décomposition et recomposition se succèdent jusqu'à l'absurde. Aussi drôle que fascinant. À le voir lutter sans fin contre un effondrement quasiment inéluctable, il nous évoque autant Sisyphe poussant son rocher qu'un chercheur légèrement obsessionnel en pleine expérience scientifique. Ou bien peut-être un démiurge solitaire réinventant indéfiniment son univers kafkaïen ? Sur une bande-son qu'il créé lui-même en tapant du pied en rythme - comme un hoquet corporel qu'il gardera tout au long du spectacle -, le jeune artiste tchèque s'efforce de bâtir, inlassablement, des pyramides improbables avec ses chaises de conférence. Alternant harmonie fragile et équilibre précaire, Viktor Černický fait alors danser les assises comme des corps, étrange chorégraphie se jouant de la gravité et qui transforme les objets les plus ordinaires en incroyables pièces d'architecture. Le rire n'est jamais loin, la poésie et l'éblouissement non plus. Celui qui a dansé avec Dominique Boivin et dans la compagnie Mossoux-Bonté signe ici un solo intelligent, lumineux et teinté d'ironie, entre vertiges physiques et questions existentielles. Car derrière l'humour et l'exercice de style se devine la métaphore élégante de l'inéluctable condition humaine - créer, détruire, reconstruire.

CONCEPT, CHORÉGRAPHIE, PERFORMANCE : VIKTOR ČERNICKÝ
LUMIÈRE : ZUZANA REŽNÁ, MARTIN PŘÍHODA / DRAMATURGIE :
LUKÁŠ KARÁSEK / RÉALISATION TECHNIQUE : DRAHOMÍR STULÍR

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FOLKTRONICA
DURÉE 1H30

Ayant frappé les esprits lors de son passage précédent à MA scène nationale, « l'agitateur folklorique » revient avec un nouvel album qui creuse le sillon d'une musique mêlant rythmes traditionnels du nord de l'Espagne et technoqueer. Rendez-vous avec un des artistes les plus inclassables du moment. Avec son troisième album Manual de Romería (Manuel de pèlerinage), Rodrigo Cuevas nous embarque vers un lieu de plaisir libre de tout préjugé. Entouré de quatre musiciens - guitare, claviers, vocoder et une grande place laissée aux percussions -, le chanteur-danseur poursuit son projet de modernisation de l'héritage asturien qu'il revisite avec des sonorités électroniques. À l'image de sa compatriote Rosalía, il propulse ainsi des musiques ancestrales vers le futur, sans passer par aujourd'hui. Conçu à quatre mains avec Eduardo Cabra, vainqueur de 24 Latin Grammy Awards, cet
album marque aussi la rencontre entre deux artistes lumineux. Une alchimie qui donne naissance à une créature éblouissante, que le performer à moitié drag-queen, à moitié sorcier hidalgo, nourrit de poésie et d'ironie à travers la théâtralité du cabaret. Au-delà de ses allures de diva excentrique qui transforme ses concerts en art à la fois total et intime, Rodrigo Cuevas se veut un passeur de savoirs. Ses chansons bouleversantes explorent
l'essence de traditions qui, ancrées dans le peuple, font danser et s'aimer sur les places. Le « Freddy Mercury des Asturies » au mysticisme incandescent nous invite à un pèlerinage musical et visuel fascinant. Un spectacle qui, entre burlesque et sensualité, s'annonce aussi joyeux que torride.

VOIX ET PERCUSSION : RODRIGO CUEVAS / CHOEURS, VOCODEUR ET PERCUSSIONS : MAPI QUINTANA / GUITARE, PERCUSSIONS ET CHOEURS : RUBÉN BADA / PERCUSSIONS : JUANJO DIAZ / CLAVIERS, PERCUSSIONS ET CHOEURS : TINO CUESTA / PRODUCTION : VIAVOX PRODUCTION

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ART DU RÉCIT, MUSIQUE, JEUNE PUBLIC
DURÉE 45 MINUTES
A PARTIR DE 7 ANS

La compagnie La Tortue clôt son cycle sur les palais intimes à destination des enfants et rend hommage au Facteur Cheval, source d'inspiration infinie. Voici l'histoire extraordinaire du plus poète des bâtisseurs…
Avril 1879. Ferdinand Cheval, facteur rural âgé alors de 43 ans, butte lors de sa tournée sur une pierre si bizarre qu'elle éveille en lui un projet fou. Véritable autodidacte, il consacrera trente-trois ans de sa vie à bâtir, seul, un palais de rêve dans son potager, inspiré par la nature, les cartes postales et les premiers magazines illustrés qu'il distribue. Parcourant chaque jour une trentaine de kilomètres pour ses parcours en pleine campagne, il ramasse des cailloux, aidé de sa fidèle brouette. En solitaire, incompris, il inscrit sur son monument « travail d'un seul homme ». Son royaume, achevé en 1912, est reconnu comme une oeuvre d'art à part entière par différents courants artistiques. Souvent dite marginale, elle fut pourtant classée monument historique en 1969 par André Malraux ! C'est cette fabuleuse histoire que Delphine Noly souhaite désormais relater aux enfants. Après Rêve d'air, ode à la surprise, puis Rêve de pierres sur l'ébahissement, voici Rêve de fer pour célébrer l'obstination. Car pour réaliser ses voeux les plus chers, il faut bien la détermination fantasque et poétique de l'inénarrable Facteur Cheval !

IDÉE ORIGINALE, RÉCIT, VOIX : DELPHINE NOLY
MISE EN SCÈNE ET ÉCRITURES, SCÉNOGRAPHIE : ANNE MARCEL / JEU ET CHANT (BARYTON BASSE) : XAVIER CLION / RÉGISSEUR : THIBAULT LECAILLON
LUMIÈRE : DAVID MASTRETA / ILLUSTRATION : LAURANNE QUENTRIC / PRODUCTION : LA COMPAGNIE LA TORTUE - DELPHINE NOLY

THÉÂTRE, MUSIQUE
DURÉE 2H

Après Phèdre ! et Giselle…, François Gremaud achève sa trilogie autour des figures féminines au destin tragique avec la plus libre d'entre toutes, Carmen.. Par l'infime détail, l'anecdote érudite et un amour sans feinte du partage des connaissances, sa conférence-spectacle est
confiée à Rosemary Standley, l'iconique chanteuse du groupe Moriarty, accompagnée de cinq musiciennes. Faisant mine de transmettre les dessous (de l'histoire, de la musique…) de ce monument de l'opéra de Bizet, Rosemary Standley investit l'écrin dessiné par l'artiste suisse comme un cadeau sur mesure pour son propre art scénique. Mais aussi pour les spectateurs, invités à plonger dans un récit joyeux autour d'une gitane dont la beauté, l'audace et le désir de liberté entraînent le chaos : la pièce brave les codes d'alors, quand son héroïne en défie
les moeurs. Bien entendu, notre oratrice se laissera emporter par la passion, éclairant le contexte de l'oeuvre et sa modernité, n'hésitant pas à chanter certains des airs les plus fameux. Et il faut tout le talent et l'éclectisme vocal de celle qui forme avec Dom La Nena l'incroyable duo Birds on a Wire, accueilli à MA en 2019, pour porter l'habile synthèse du livret original et se glisser dans tous les rôles, permettant de retracer le destin tragique de Carmen. Ce pourquoi elle fascine tant. Sur fond de transposition de la musique pour flûte, harpe, violon, saxophone et accordéon, chacun reçoit la force vitale d'un être défiant l'ordre établi par son ivresse de vie.

INTERPRÉTATION : ROSEMARY STANDLEY / CONCEPT ET MISE EN SCÈNE : FRANÇOIS GREMAUD / MUSIQUE : LUCA ANTIGNANI, D'APRÈS GEORGES BIZET
ACCORDÉON : LAURÈNE DIF, CHRISTEL SAUTAUX / HARPE : TJASHA GAFNER, CÉLIA PERRARD / FLÛTE : HÉLÉNA MACHEREL, IRENE POMA / VIOLON : SANDRA BORGES ARIOSA, ANASTASIIA LINDEBERG / SAXOPHONE : LIVIA FERRARA, BERA ROMAIRONE, SARA ZAZO ROMERO / TEXTE : FRANÇOIS GREMAUD, D'APRÈS HENRI MEILHAC ET LUDOVIC HALÉVY / ASSISTANAT DRAMATURGIE ET MUSIQUE, CHARGÉ DE TOURNÉE : BENJAMIN ATHANASE / ASSISTANAT
MISE EN SCÈNE : EMERIC CHESEAUX / DIRECTION TECHNIQUE 2B COMPANY ET LUMIÈRE : STÉPHANE GATTONI - ZINZOLINE/ RÉGIE GÉNÉRALE : JEAN-PIERRE POTVLIEGE, JULIEN FRENOIS / SON : ANNE LAURIN / COLLABORATION COSTUME : ANNE-PATRICK VAN BRÉE / ADMINISTRATION
PRODUCTION, DIFFUSION : NOÉMIE DOUTRELEAU, LUCIE GOY, MICHAËL MONNEY

DANSE
DURÉE 1H10

Avec une infinie tendresse et beaucoup d'humour, Sylvain Riéjou remonte le temps pour raconter comment, au milieu de son adolescence, la danse a marqué sa relation à la
sensualité et au corps en général. Une introspection ultra rafraîchissante où l'on croise autant Patrick Swayze que Gilbert Bécaud,Offenbach ou Serge Gainsbourg ! Après deux solos en compagnie de son double projeté sur écran, le chorégraphe crée aujourd'hui une pièce pour quatre interprètes, avec l'idée d'explorer la place de la danse dans les rencontres amoureuses. Il part pour cela de sa propre histoire : adolescent dans les années 1990, il grandit en regardant Dirty Dancing ou Ghost - autant de films qui exposent des relations hétéronormées et qui,
pourtant, vont contribuer, à leur manière, à son émancipation d'homme gay. Je badine avec l'amour, c'est l'occasion de s'intéresser à cette confusion des genres propre à sa génération. Les corps se touchent, les danses se mêlent, la justesse du mouvement reposant sur un lien étroit avec la musique. Tantôt animateur de show ou commentateur sportif, il raconte les bals populaires et les soirées électro, mime des scènes de films culte, engage un slow sur un air langoureux. Toujours sur le fil, son discours plein de vie oscille constamment entre rire et poésie, intimité et ironie, Sylvain Riéjou prenant un plaisir certain à jouer avec les clichés pour mieux les détourner. Un plaisir hautement communicatif pour un spectacle percutant tout en hilarante légèreté !

CONCEPTION ET INTERPRÉTATION : SYLVAIN RIÉJOU
CRÉATION EN ÉTROITE COLLABORATION AVEC LES INTERPRÈTES :
ÉMILIE CORNILLOT, JULIEN GALLÉE-FERRÉ ET CLÉMENCE GALLIARD
CONTRIBUTION CHORÉGRAPHIQUE : YOANN HOURCADE
REGARD DRAMATURGIQUE : JEANNE LEPERS / SON : EMILE DENIZE
LUMIÈRE ET RÉGIE GÉNÉRALE : SÉBASTIEN MARC / PRODUCTION,
DÉVELOPPEMENT : MARION VALENTINE, CHARLES-ÉRIC BESNIERMÉRAND ET GARANCE BOURGNEUF - BORA BORA PRODUCTIONS

Entrée libre sur réservation

JAZZ, POP, ETHNO-FOLK
DURÉE 1H15

Autrice, compositrice et interprète nomade, Siân Pottok nous donne à entendre les vibrations de la Terre entière. Vibrations qui, chez elle, se sont amplifiées à la suite d'un coup de foudre pour le kamélé ngoni, une harpe traditionnelle africaine qu'elle embarque vers un registre pop-ethno folk. Il existe des artistes qui embrassent le monde pour en distiller l'expression universelle des émotions qui le traversent. Cette sensibilité rare, Siân Pottok - prononcez « Shan » - la partage avec des créatrices hybrides à fleur de peau comme Björk, Joni Mitchell, Billie Eilish, Yaël Naïm ou Jenny Wilson. Autant de têtes chercheuses résolument tournées vers la réinvention permanente de leur musique. Siân Pottok poursuit ainsi sa quête avec son nouvel album Deep Waters (Eaux profondes), conçu avec la complicité du batteur Édouard Coquard. L'artiste née en Floride y ouvre ses compositions métissées - à l'image de ses racines indiennes, congolaises, belges et slovaques - sur les sonorités du kamélé ngoni, mi-harpe, mi-luth, de la région mandingue d'Afrique de l'Ouest, qu'elle sort de son univers en y mêlant des arrangements de cuivres, des nappes électro et l'acoustique des percussions. Accompagnée de trois musiciens sur scène - batterie, trompettemachine et claviers -, Siân Pottok nous plonge dans des mélodies qui s'écoulent entre classique, world, pop, folk et électro. Et à la manière d'une funambule, elle balade sa voix sur les cordes tendues de son instrument pour un voyage captivant où la plus grande douceur éthérée peut se muer en une tempête rythmique. Un monde d'émotions, disait-on.

CHANT, GUITARE ET KAMÉLÉ NGONI : SIÂN POTTOK
TROMPETTE, MACHINE : LUCAS DEGEUSER
BATTERIE : THÉO GLASS / CLAVIERS : FRED DUPONT

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Durée 40 minutes
À partir de 3 ans

Lilou déteste par-dessus tout se laver et ses parents lui disent souvent qu'elle est « sale et mal coiffée, comme la poupée du loup ». Mais quelle drôle d'expression (franc-comtoise) ! Le loup aurait donc une poupée ? Lilou veut en avoir le coeur net. Elle surmonte sa peur et part avec son doudou à la recherche de l'animal pour lui poser cette question : « Est-ce que c'est vrai, le loup, que tu as une poupée ? » Une histoire pleine de fantaisie, qui dit qu'il faut parfois dépasser sa peur pour obtenir ce qu'on veut et qu'il est important de prendre soin de soi… et des autres !

PROGRAMME
Jean-François Verdier et Magali Grange : La Poupée du loup
COMÉDIENNE : FLORENCE ALAYRAC
ILLUSTRATIONS : MAGALI GRANGE
DIRECTION : SOPHIE DERVAUX

THÉÂTRE
DURÉE 1H30
Bord plateau

Avec un humour grinçant, l'autrice québécoise Sarah Berthiaume interroge dans Nyotaimori notre rapport au travail, écorchant au passage notre rôle dans un système de consommation mondialisé où les humains deviennent machines et les femmes objets. Jouissif !
Nyotaimori est un mot japonais désignant la présentation d'un repas sur le corps nu d'une personne, fruit d'une soumission et d'un pouvoir orchestré jusque dans l'intimité. Paru en 2017, le texte éponyme de Sarah Berthiaume est aujourd'hui mis en scène par Renaud Diligent - celui-là même qui avait marqué les esprits en 2019 avec l'adaptation corrosive du Dimanche napalm de Sébastien David, présentée à MA. Dans ce récit aux temporalités fragmentées, on suit la démesure d'une journaliste indépendante, dopée au travail. Entre les délais impossibles à tenir pour rendre ses articles, les reproches de sa petite amie et les sirènes de la procrastination, elle fête son burn-out à coup de mojitos. C'est alors qu'elle découvre que le coffre d'une voiture made in Japan et la porte d'un atelier indien de confection de lingerie mènent, par-delà toute logique, à l'ancienne usine transformée en loft de son immeuble ! Accompagnée par la musique en direct de Gabriel Afathi, moitié du duo électro-pop The George Kaplan Conspiracy, la pièce nous entraîne du réalisme le plus simple à l'absurde total. De Montréal au Japon en passant par le Texas et l'Inde, Maud ira à la rencontre d'une galerie de personnages qui, comme elle, partagent tous la même aliénation et la même soumission au capitalisme sauvage. Une manière d'explorer, par la fable, les liens de domination que le système économique nous fait entretenir au travail.

TEXTE : SARAH BERTHIAUME / MISE EN SCÈNE : RENAUD DILIGENT AVEC : SÉBASTIEN CHABANE, CLAIRE THÉODOLY ET ÉLISABETH HÖLZLE
MUSIQUE ORIGINALE ET INTERPRÉTATION : GABRIEL AFATHI
DRAMATURGIE : SARAH CILLAIRE / SCÉNOGRAPHIE : EMMANUELLE
DEBEUSSCHER / COSTUMES : CÉCILE CHOUMILOFF / MAQUILLAGE :
MARION BIDEAUT / LUMIÈRE : PASCALE RENARD / SON : ANTHONY
DASCOLA / PRODUCTION : GALLANE DECERLE

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MUSIQUE CLASSIQUE
DURÉE 1H20

Conçue entre 1901 et 1902, la Symphonie n° 5 explore un large éventail d'émotions allant de la tourmente à la sérénité, reflétant par là même les aspirations du compositeur lors de son écriture. Elle s'ouvre avec Trauermarsch sur une impressionnante sonnerie de trompette ; un air aux tonalités dramatiques et inquiétantes, évoquant sa propre « marche funèbre » et la lente agonie générée par sa terrible affection. Sachez cependant que c'est bien le troisième mouvement, au caractère joyeux, que l'artiste a écrit en premier. À cette époque, l'homme solitaire et déprimé vient tout juste de croiser le chemin de celle qui deviendra son épouse douze mois plus tard. Cet adagietto serait même, d'après l'entourage de l'artiste, un geste d'amour spécialement écrit pour elle ! Au fur et à mesure, la symphonie nous transporte ainsi à travers des paysages sonores riches et variés, alternant entre des moments de désespoir tourbillonnant et des passages de tendresse et de consolation. Enfin, elle se clôt par un glorieux final qui représente le triomphe de Mahler face à la maladie, et un pied de nez à la fatalité.

PROGRAMME
Gustav Mahler : Symphonie n° 5
OEuvre mystère
DIRECTION : JEAN-FRANÇOIS VERDIER

INSTALLATION, ARTS SONORES, SÉANCE D'ÉCOUTE
DURÉE 50 MINUTES
GRATUIT
En s'inspirant d'une histoire vraie, Judith Bordas et Annabelle Brouard ont conçu une cabine pour parler aux morts ; une installation profondément poétique invitant à l'écoute de l'invisible, à la mémoire de celles et ceux qui ne sont plus là. Peu de temps après le tsunami qui a frappé le nord du Japon en 2011, un homme a érigé une cabine téléphonique dans son jardin pour communiquer avec ses proches disparus, face à un combiné relié au vent. En partant de cet émouvant fait divers, les réalisatrices sonores et metteuses en scène Judith Bordas et Annabelle Brouard ont imaginé La Cabine du vent, un dispositif dessiné pour permettre ces « dialogues transparents entre morts et vivants ». Micro à la main, les deux artistes partent à la rencontre des habitants du territoire de Montbéliard afin de mener des entretiens, des ateliers d'écriture et questionner la façon dont nos défunts continuent de vivre à travers nous. La Cabine du vent devient alors un point de rencontre pour les participants qui peuvent y déposer des témoignages, à l'écrit ou à l'oral. En cherchant ce « presque rien » où se nichent les histoires, les deux artistes aboutissent à une création sonore originale où les frontières entre réel et imaginaire se brouillent. Présentée au printemps
lors d'une écoute collective.

CONCEPTION, RÉALISATION ET ÉCRITURE : JUDITH BORDAS ET ANNABELLE BROUARD
SCÉNOGRAPHIE : AMANDINE FONFRÈDE ET STÉPHANIE MATHIEU / CONSTRUCTION : HERVÉ DUBOIS, JEAN-MICHEL SITTLER (DIT GABI)
PRODUCTION : MA SCÈNE NATIONALE SOUTENU PAR PAYS DE MONTBÉLIARD AGGLOMÉRATION DANS LE CADRE DU LABEL « CAPITALE FRANÇAISE DE LA CULTURE » 2024

ARTS SONORES, SÉANCE D'ÉCOUTE
DURÉE 1H30
GRATUIT

Après le théâtre antique de Mandeure en 2023, MA a choisi un autre site mémorable du Pays de Montbéliard, le fort du Mont-Bart, pour organiser la deuxième édition de MA NUIT DE LA RADIO. Venez profiter de ce moment exceptionnel d'écoute collective pour découvrir Mythes - Podcast, La Collection, l'une des productions incontournables de la Capitale française de la culture, qui met en lumière quatre marqueurs de l'identité de notre territoire. Quel est le point commun entre une automobile, une race de bovin, l'une des plus anciennes charcuteries de France et un ballon rond ? Celui d'être les emblèmes de tout un pays. La 205, la montbéliarde, le FC Sochaux-Montbéliard et la saucisse appartiennent à l'histoire du nord-est de la Franche-Comté et sont les véritables symboles nationaux d'une région dont la plus grande ville ne dépasse pas les vingt-six mille habitants. Comment en parler et créer une oeuvre sonore, fictionnelle ou documentaire, le temps d'une année où le Pays de Montbéliard et la culture ne font qu'un ? C'est la commande passée par MA à quatre créatrices et créateurs complices de la scène nationale. Mythes - Podcast, La Collection donne la parole aux gens et participe au récit de cette terre à saisir autrement.

SOUTENU PAR PAYS DE MONTBÉLIARD AGGLOMÉRATION DANS LE CADRE DU LABEL « CAPITALE FRANÇAISE DE LA CULTURE » 2024